Софт-Портал

Как Создавать Электронную Музыку

Рейтинг: 4.0/5.0 (164 проголосовавших)

Категория: Windows

Описание

Как создается современная электронная музыка

Электронная музыка – это относительно новый жанр, который, тем не менее, с каждым днем становится все популярнее и популярнее. Самая первая электронная музыка появилась еще в начале 30-х годов, когда Львом Терменом, хочу заметить нашим с вами соотечественником, был изобретен первый «синтезатор» - терменвокс.

Но в современном понимании электронная музыка появилась гораздо позже - приблизительно в 70-х годах XX-го века. Именно тогда появляются несколько таких основных стилей как Trance, House и др. которые до сих пор остаются одними из самых популярных.

Электронная музыка постоянно улучшалась и становилась сложнее по мере появления новых инструментов и музыкальных идей.

Ну что же, самое время перейти к главному, а именно к тому, как же все-таки создаётся современный мелодичный и захватывающий дух Trance и всегда разрывающий танцпол House.

Как мы уже поняли, важной вещью в данном процессе является синтезатор, именно на нем получаются те самые красивые звуки, которые могут напоминать по характеру, как струнные инструменты, так и духовые, как злые и рычащие басы, так и успокаивающие атмосферные подклады.

Раньше музыканты, работающие в этом стиле, тратили огромные деньги на физические аналоговые синтезаторы и забивали ими все свободное место в студии. Наверное, многие из вас видели огромнейшие аналоговые синтезаторы тех лет с множеством «крутилок» и тумблеров необходимых для того, чтобы получить нужный тембр.

Но сейчас на дворе уже XXI-й век и во всем этом уже нет необходимости, все эти приборы с лихвой сегодня заменяет обычный настольный компьютер или даже ноутбук. Именно так и работают современные «электронщики». На смену громоздким и дорогим аналоговым пришли более дешевые программные синтезаторы – VSTi, ничуть не уступающие по качеству получаемого звука своим аналоговым собратьям.

Для перкуссионных и барабанных партий используются сэмплы, то есть уже готовые звуки, которые находятся в свободной продаже. Целиком композиция сочиняется и сводится в специальной программе, называемой DAW. DAW фактически – целая студия на компьютере.

Конечно, создание электронной музыки на компьютере – не такой уж и простой процесс, как может показаться. Как минимум нужно обладать хорошим музыкальным слухом, уметь играть хотя бы на одном музыкальном инструменте, ну и знания в области синтеза звука будут необходимы.

Немногие способны сделать по-настоящему качественную аранжировку с профессиональным звучанием, но научится всему этому сегодня возможно. На данный момент существуют статьи и видеоуроки по созданию музыки. наглядно показывающих процесс создания и аранжировки. Как говорится талант – это лишь десять процентов успеха, остальные 90 – упорный труд.

как создавать электронную музыку:

  • скачать
  • скачать
  • Другие статьи, обзоры программ, новости

    История создания электронной музыки

    История создания электронной музыки

    Понятие «электронная музыка» в широком смысле применяется к тем явлениям музыкального творчества, связанные с использованием электронных технологий в процессе создания и исполнения произведений. Использование электронных технологий на композиционном уровне связано с понятиями «алгоритмическая композиция», «компьютерная композиция», «генерируемая композиция», на уровне звуковой реализации - с понятиями «электронный синтез звука», «электронный музыкальный инструмент», система MIDI (цифровой интерфейс музыкальных инструментов), «электронная обработка звука в реальном времени», «виртуальный инструмент» и т.д.

    Определяющим в понятии «электронная музыка » традиционно выступает уровень звуковой реализации, что обусловило формирование в современной музыкальной практике своеобразного противопоставления «акустической музыки» (инструментальной, вокальной) и «электронной музыки».

    Исторический обзор электронной музыки

    Появление электронной музыки, как самостоятельного направления современной музыкальной культуры (существует с конца 40-ых годов XX века) предшествовало формирование нового музыкально-эстетического мышления и многолетний процесс применения электрических и электронных технологий для создания электромеханических инструментов и устройств звукозаписи.

    Итальянский пианиста и композитор Ферруччо Бузони

    Так, непосредственное влияние на формирование эстетических принципов электронной музыки имели: работа итальянского пианиста и композитора Ферруччо Бузони (Ferruccio Busoni) (1866-1924) «Эскиз новой эстетики музыкального искусства» «Saggio di una nuova estetica musicale» (1907 г.), где поднимается вопрос использования в музыке новых источников продуцирования звука. Программный манифест футуризма “Искусство шумов” “L'arte dei rumori“(1913 г.) итальянского художника-футуриста Луиджи Руссоло (Luigi Russolo) (1885-1947) и связанные с ним шумовые инструменты intonarumori, популярные идеи 20-30 лет во Франции «освобождение звука» «liberation du son» Эдгара Вареза (Edgard Varese) (1983 - 1965) и Эрика Сати (Erik Satie) (1866 - 1925).

    Наиболее заметными в истории электромеханических интсрументов и устройств звукозаписи с конца XIX и до 40-ых годов XX ст. которые повлияли на формирование технологии электронной музыки были изобретения фонотографа (Phonautograph) Леона Скотта где Мартенвиля (Leon Scott de Martinville) (1857), Музыкального телеграфа (The Musical Telegraph) Элиши Грея (Elisha Gray) (1876), Поющей дуги (The Singing Arc) Уильяма дю Буа Дюдделя (William Du Bois Дудделл) (1899), Телгармониума (The Telharmonium) Тадеуша Кахіля (Thaddeus Cahill) (1897), Терменвокса Леона Термена (1917), Волн Мартено Ondes-Martenot Мориса Мартено (Maurice Martenot) (1928), Траутониума (Trautonium) Фридриха Траутвейна (Friedrich Trautwein) (1929), магнитофона (в 1935 г. впервые представлено немецкой компанией АЕG). Среди электромеханических инструментов есть также изобретение нашего соотечественника Владимира Баранова-Россине (1888, Херсон - 1944, немецкий концлагерь во Франции) - Оптофониское фортепиано (1916).

    Фонотограф Леона Скотта где Мартенвиля (1857)

    Приоритет применения термина «электронная музыка » Elektronische Musik принадлежит немецкому физику - акустику Вернеру Майер-Епплеру (Werner Meyer-Eppler) (1913-1960), который в 1949 г. в книге "Электронное продуцирование звука: электронная музыка и синтетическая речь" ("Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und synthetische Sprache") электронной музыкой называет тип музыкальной композиции, созданной исключительно электронными средствами. Понятие «электронная музыка» здесь отмежевывается от значений «электромузыка», «электроинструментальная музыка», что применялись в связи с применением электромеханических инструментов.

    Электронная музыка не столько обновляет источники звука, заменяя привычное звучание акустических инструментов на искусственно созданное, сколько декларирует новый тип музыкального мышления, где музыкальным материалом выступает сам звук, с его неповторимым тембровым качеством, индивидуально созданной композитором путем комбинирования колебаний различной формы, продуцируемых звуковыми генераторами. В организации структуры звукового материала Майер-Епплер предлагает использовать принципы серийной композиции Арнольда Шенберга (Arnold Schoenberg) (1874 - 1951) и Антона Веберна (Anton Webern) (1883 - 1945). Эти теоретические положения впервые было реализовано на практике в Кельнской студии электронной музыки (основана в 1951 г.) композиторами Гербертом Айметом (Herbert Eimert) (1897 - 1972) и Карлхайнцем Штокхаузеном (Karlheinz Stockhausen) (1928 - 2007). В 50 - х годах понятие «электронная музыка» в узком значении применялось именно к музыке, созданной в Кельнской студии электронной музыки. Речь шла о сериальные композиции на основе синтеза звука из синусоидальных тонов. Процесс композиции включал генерирования звука, различные виды трансформаций, монтаж, микс в случае многоканального состав и запись на магнитную пленку,

    Инженер-акустик и композитор Пьер Шеффер

    Несмотря на появление термина «электронная музыка» в Германии, фактическая первенство создания электронной музыки принадлежит французскому направлении «конкретной музыки» «musique сoncrete», первооткрывателем которой был инженер-акустик и композитор Пьер Шеффер (Pierre Schaeffer) (1910 - 1995). В основанной им в 1942 г. Опытной студии при Французском радио Studio Ремесленник (с 1958г. - Группа музыкальных исследований Groupe de Recherche Musicale - GRM) была начата работа с образцами записей разнообразных звучаний, а в 1948 г. состоялся первый радио-концерт «конкретной музыки» «Искусство шумов» «l'art de bruits».Название «конкретная музыка» подчеркивает свою независимость от первоначальных звуковых абстракций традиционной нотованої музыки. Здесь композитор оперирует фрагментами звучаний, что существуют в своей конкретике, или «сонорными объектами». Для образования звуковых формаций используются все возможные источники звучаний (звуки естественного или индустриального среды, музыкальные инструменты, синтезированные электронные звучания), зафиксированные на магнитной пленке, и, таким чиноам, отделенные от своего источника и первоначального контекста. Технологический процесс создания конкретной музыки был практически идентичным с процессом создания электронной музыки в Кельнской студии, кроме того, что композитор не ограничивает себя лишь материалом, генерированным электронным способом, а собственно композиционный процесс формирования произведения определяется не серийными принципами организации материала, а интуитивно выбранной последовательной трансформацией «сонорных объектов» согласно четкой художественной идеи в «объекты музыкальные».

    В процессе создания и исполнения композиций композиторы группы GRM уделяют большое внимание работе над пространственной локализацией звукового материала композиции - «просторизацию» «spatialisation». С целью досконального управления просторизацией во время исполнения электронной музыки в 1974 году композитор Франсуа Бейль (Francois Bayle) (род. 1932) создал своеобразный «оркестр» с 80 громкоговорителей - Акусмониум Acousmonium. Ему также принадлежит термин «акусматичная музыка» «Musique acousmatique», которым с середины 70-х годов чаще всего пользуются как для определения направления музыки композиторов группы GRM, так и в целом для определения жанра многоканального электронного произведения, зафиксированного на пленке. Понятие «acousmatique» связано с греческим «acousma» - привычкой слушать Пифагора учениками через занавес, который скрывал визуальную присутствие учителя. Самые известные представители группы GRM: Пьер Анри (Pierre Henry) (род. 1927), Люк Феррари (Luc Ferrari) (1929 - 2005), Янис Ксенакіс (Iannis Xenakis) (1922 - 2001).

    Параллельно с европейскими направлениями электронной музыки» и «конкретной музыки» в Америке в 50-е гг. развивалось направление «Музыки для пленки» (Tape Music). Ее представители, композиторы Эрл Браун (Earle Brown) (1926 - 2002), Кристиан Вольф (Christian Wolff) (род. 1934 г.), Дэвид Тюдор (David Tudor) (1926 - 1996). Мортон Фельдман (Morton Feldman) (1926 - 1987) объединились вокруг Джона Кейджа (John Cage) (1912 - 1992) для реализации инициированного Кейджом проекта «музыки для магнитной пленки» The Music for Magnetic Tape Project (1952-1954). Материалом произведений служили звуки любого происхождения - генерируемые электронным путем, продуцированные акустическими инструментами, эстетическая концепция проекта базировалась на всестороннем использовании идеи недетермінованості (алеаторики). Очень важным в распространении направлении «музыки для магнитной пленки» была деятельность студии Tape Music Studio в Колумбийском университете в Нью-Йорке (с 1959 г. - Центр электронной музыки Коламбия-Принстон Columbia-Princeton Electronic Music Center ), где работали Владимир Усачевский (Vladimir Ussachevsky) (1911 - 1990) и Отто Лайонинг (Otto Luening) (1900 - 1996).

    1950 - 60 е годы отмечены активным распространением электронной музыки в мире путем формирования специально обладанних студий: в 1955 г. открылись студия при Миланском радио Studio de Fonologia, студия при Японском радио NHK. студия компании Филипс в Эйндховене (Нидерланды), в 1957 г.- экспериментальная студия польского радио в Варшаве, в 1958 г. в музее А. М. Скрябина в Москве на базе синтезатора АНС начинает работу Московская експкриментальная студия электронной музыки (официально открыта в 1967 г.). В это время появляются первые компьютерные программы для алгоритмической композиции (в Иллинойском университете на компьютере ILLIAC Лежарен Хиллер (Lejaren Hiller) (1924-1994) создает Illiac-suite) и синтеза звука (MUSIC I, 1956, Макса Мэтьюса (Max Mathews) (род, 1926)). Это также годы внедрения полноценных электронных синтезаторов (синтезатор университета Коламбия-Принстон The RCA Synthesiser I & II, (1952-1956), синтезатор Муга Moog Synthesiser (1963), синтезатор Букла Buchla Synthesisers (1963) и др.)

    70-80-е годы отмечены дальнейшим развитием электронных технологий и формированием научно-творческих центров электроакустической музыки: создание Института координации музыки и акустики IRCAM при Центре Помпиду в Париже ( открыт в 1977 г.), Центра компьютерных исследований музыки и акустики при Стэнфордском университете The Stanford University Center for Computer Research in Music and Acoustics (активно действует с середины 60-ых) и др. Именно такие центры электронной музыки были обеспечены многофункциональных высокотехнологичным оборудованием и профессиональным техническим персоналом, ориентированным на работу в области академической электронной музыки. Так, в большой степени благодаря деятельности института IRCAM во Франции и других европейских странах в 70-80-ых годах композиторы присоединились к «спектральной музыки» - разновидности алгоритмической композиции, техника которого была разработана в начале 70-ых годов молодыми французскими композиторами Жераром Гризе (Gerard Grisey) (1946 - 1998) и Тристаном Мюраил (Tristan Murail) (род. 1947). Спектральная техника базируется на использовании данных спектрального анализа звука для разработки гармонии, фактуры, музыкального синтаксиса произведения. В случае применения спектральной техники в электроакустическом произведении электронная партия также строится на спектральному анализе использованных в произведении инструментов.

    С появлением небольших рабочих станций на базе компьютеров Apple и IBM в начале 90-ых годов и общемировыми процессами информатизации общества развитие электронной музыки значительно демократизируется. Композиторы становятся все менее зависимыми от крупных студий электронной музыки. Активное распространение компьютерных технологий в области музыкального творчества среди пользователей сети Internet переориентирует деятельность мировых центров электронной музыки на научно-исследовательскую, образовательную и консультативную деятельность, поскольку большая часть электронной музыки создается преимущественно в частных мини-студиях.

    Терминология и жанры электронной музыки

    Электронная музыка сегодня существует на пересечении современного академического музыкального искусства, музыкально-информационных технологий, медиа-искусства и не академических музыкальных направлений (джаза, рока, импровизационной музыки, популярной музыки). Ее терминологическая база, система жанров, круг технологических, эстетических и музыкально-теоретических проблем постоянно обновляются как под влиянием непрерывного совершенствования информационных технологий, развития медиа-искусства, так и усилением интереса музыкантов и музыковедов к явлениям электронного музыкального искусства.

    Термин «электронная музыка » в узком смысле с 70-ых годов чаще всего применяется к не академическим экспериментальным и популярным жанрам (эмбиент ambient. техно techno, индастриал industrial. хаус house, транс trance и др.), относительно академической музыки чаще всего употребляют термины «электроакустическая музыка», «акустическая музыка», «экспериментальная электроакустическая музыка» (употребляется параллельно в не академической импровизационной электроакустической музыке).

    Специфика выполнения электроакустической музыки с обязательным использованием громкоговорителей, управлением «просторизацией» звука определила круг ее жанров. Так, кроме концертных жанров (электронная запись, произведение для инструмента, голоса, ансамбля, оркестра и электронной записи, произведение для инструмента с его обработкой в реальном времени), появились специфические «не концертные» и мультимедийные жанры («звуковое искусство» Sound Art. «звуковой ландшафт» Soundscape, «звуковая скульптура» Sound Sculpture, электроакустические инсталляции и перформансы, мультимедиа, аудиовизуальные жанры, включая оперой и балетом).

    Как создать музыку на компютере? какие программы нужны на эта скажите люди

    как создать музыку на компютере? какие программы нужны на эта скажите люди. за ранее спа. за ранее спасибо!

    МАКСАТ АЙДАРАЛИЕВИЧ Ученик (246), закрыт 4 года назад

    Galagan Мудрец (18688) 4 года назад

    Современную электронную музыку пишут обычно в Ableton, Nuendo, Cubase, Reason и FL Studio. Это наиболее профессиональные программы, которые сочетают в себе WAVE и MIDI редактор, семплер, "стойку" для VST-инструментов, секвенсор и секцию мастеринга. Некоторые из этих программ, например Ableton Live, используют так же для живых выступлений (Skrillex, Justice, Duft Punk, Moby и др. музыканты).

    Ну и конечно же, по мимо программ, нужны хотя бы минимальные познания в создании электронной музыки?

    Ведь делать электронную музыку - это большой и трудоемкий процесс! Потому, что в отличие от игры в какой нибудь группе на ударных, где вы отвечаете только за ударные и ритм, в создании электронной музыки вы должны быть одновременно sound-дизайнером, композиротом, режиссером, аранжеровщиком и продюссером.
    Это вам не просто "открыл программку, накидал туда звуков и назвал это музыкой". Нужно понимать принципы построения композиций, знать аккорды и интервалы, знать почему в нижнем регистре нужно использовать примы и терции, а не секунды и септ-аккорды. Нужно так же уметь использовать синтезаторы и генераторы.

    Если вы понимаете, о чем я написал выше, то добро пожаловать в мир создания музыки. Используйте программы, описанные выше.

    Дмитрий Мудрец (14400) 4 года назад

    taurus1967 Искусственный Интеллект (342441) 4 года назад

    Электронный Ди-Джей Dance 7 – продукт в знаменитой линейке «Электронный Ди-Джей». Версия пакета включает в себя Sample Studio, а также интегрированный клиент записи CD-дисков, удобный пользовательский интерфейс. «Электронный Ди-Джей Dance 7» не разочарует поклонников этой культовой серии.

    DarkWave Studio является продвинутой цифровой виртуальной аудио студией для создания электронной музыки, состоящей из модульной виртуальной студии, редактора шаблонов, редактора последовательности и системой многоканальной записи на жесткий диск. Он поддерживает VST / VSTi инструменты и плагины эффектов.
    Возможности:
    * Поддержка платформ x64 и x86 Windows
    * Поддержка плагинов VST - беспредельная возможность расширения с помощью инструментов и плагинов эффектов
    * Поддержка аудио ASIO драйвера - Низкий Output Latency
    * Поддержка мульти процессорности
    * Использование SSE2 оптимизации, если поддерживается процессором
    * Полная 64-битная аудио обработка двойной точности с плавающей точкой

    FL Studio (Fruity Loops) - это музыкальный редактор-секвенсор для написания музыки. Главная составляющая проекта композиции - генератор. Генератор синтезирует или воспроизводит звук. Генераторов в проекте композиции может быть неограниченное количество. Каждый генератор обладает своими уникальными настройками, уникальным звуком. Для генераторов программируются нотные партитуры. Партитуры в FruityLoops имеют конечную длину. Кусочки партитур (паттерны) складываются в последовательности (располагаются в нужном порядке в списке воспроизведения). Звук каждого генератора может быть обработан при помощи множества подключаемых эффектов.
    Fruity Loops, прежде всего, это великолепная программа для создания лупов (loops), которые потом можно запихивать в любую сводильную программу для получения полностью готовой песни.

    Native Instruments Traktor Pro 2 - Продвинутая четырёх палубная DJ программа которая создаёт сложнейшие ремиксы лёгким развлечением. С помощью неё вы сможете создавать собственную музыку или микшировать уже имеющуюся композицию, в ПО очень много инструментов, эффектов и фильтров для создания качественной музыки. Имеется красивый и понятный интерфейс с цветными визуально видимыми сигналами, программа подойдёт как для новичков так и для профессиональных пользователей.

    Александр Багров Искусственный Интеллект (101885) 4 года назад

    О, музякального софта много!
    Среди них есть так называемые секвенсеры. Они позволяют проигрывать музыку, записанную прямо нотами. Для такой записи существует миди-формат с расширением .MID (и ему подобные) .

    Бесплатный обучающий курс Секреты создания электронной музыки

    Краткое описание курса: в видеокурсе «Секреты создания электронной музыки» рассказывается о том, как научиться писать электронную музыку.

    Краткое содержание курса: видеокурс состоит из 6 практических уроков, в которых автор дает советы для начинающих по написанию электронной музыки:

    • Вы узнаете основные этапы создания трека;
    • Вам расскажут и покажут инструменты для создания электронной музыки;
    • Вы на практике увидите работу над композицией;
    • Вас узнаете как избежать ошибок и достичь мастерства.

    Конечная цель обучения: после прохождения видеокурса «Секреты создания электронной музыки» Вы сможете самостоятельно начать писать электронную музыку и достигнуть в этом мастерства.

    P.S. Если Вы обнаружите, что ссылка на бесплатный курс не работает, напишите пожалуйста об этом в комментариях.

    P.P.S. А если Вы считаете, что эта информация будет интересна Вашим друзьям и знакомым, нажмите пожалуйста на кнопки ниже и поделитесь ссылкой на страницу!

    Создание электронной музыки

    Звукозапись Создание электронной музыки – 7 главных концепций

    Создание электронной музыки – увлекательный и сложный процесс

    Вы любите музыку? Кто-то жизни своей не может представить без звуков, льющихся из динамиков. А, какую музыку вы предпочитаете слушать? Органную. классическую, популярных исполнителей?

    Сегодня мы предлагаем вам поговорить об электронном звуке и электронной музыке. А, также рассмотреть 7 главных принципов отличия такой музыки и звука, от музыки и звуков,которые добываются традиционным способом, а также, узнать о том, как создаётся такая электронная музыка.


    Что такое электронная музыка

    Электронная музыка появилась в 1950-х годах и стала наглядным примером того, что музыкальное искусство и культура могут открыть себя повторно, с помощью использования новых подходов не только к музыкальной структуре, но и к стилю и к самим музыкальным инструментам. Так, электронная музыка была даже охарактеризована одним из музыковедов, как

    третья стадия эстетической истории музыки, тогда как первые две стадии были непосредственно связаны с вокальной и инструментальной музыкой.

    И, с того момента, когда человек узнал о музыке, он стал совершенствовать её музыкальное звучание, однажды открыв для себя способность электронного звука звучать музыкально и гармонично.

    Примечательно, что ранние школы электронной музыки (независимо от философии и концепции музыкальных произведений) единогласно сошлись в том мнении, что электронная музыка это абсолютно другой звуковой продукт. И, отличается она от обыкновенной инструментальной музыки такими своими характеристиками, как..

    Неограниченные звуковые ресурсы электронной музыки

    Так, в электронной музыке звуки могут создаваться непосредственно путём обращения звуковой волны. То есть, композитор не просто создаёт электронную музыку – он создаёт сам звук, изобретая новые звуки, которых не существует в природе или радикально преобразовывает звучание обыкновенных музыкальных инструментов. Так, к примеру, такой композитор – электронщик, как Личано Берио для одного своего произведения использовал возможности звукозаписывающей ленты и преобразовал человеческий голос в звучание тысяч паттернов, которые были пропитаны тональностью человеческого разговора. Аналогично, Венди Карлос моделировал цифровые инструменты, звучание которых можно было бы менять в режиме реального времени, и ему удавалось исполнять одну и ту же мелодию, попеременно проигрывая её на электронной скрипке. кларнете и виолончели. Такие звуки, которые не могли существовать за пределами компьютера, стали возможными с появлением синтезаторов и специальных электронных библиотек. Также, всё тот же Карлос Веди экспериментировал с созданием тембров инструментов, не существующих в реальном мире, но используя за основу звуки реальных инструментов…

    В электронной музыке расширенное восприятие тональностей

    Любое музыкальное произведение ограничено тональностью исполнения, любое – но, не электронная музыка. К тому же, такое микротональное звучание композиций более легче может проектироваться самим композитором, который по своему усмотрению может разделить октаву на части, используя при этом цифровую клавиатуру и программное обеспечение. Такое невозможно ни с одним реальным музыкальным инструментов. С другой же стороны, такая электронная музыка вносит абсолютно новую концепцию – концепцию шумов. И, теперь все звуки можно считать одинаково равноценными и важными в процессе приращивания их к спектру электромагнитных волн, по той простой причине, что они тоже являются музыкальными звуками.

    Актуализация электронной музыки

    "Рабочее" место электронного композитора

    Если рассматривать объёмы электронной музыки, то отыщется достаточное количество музыкальной информации, которая была не точно воспроизведена или расшифрована повторно. Основные причины такого вероятного недочёта заключаются в том, что сама электронная музыка является той средой, в которой композитор создаёт музыкальный экспромт, повторить который не всегда представляется возможным. И, редко кто-то, кроме самого композитора, может правильно и точно воспроизвести электронный музыкальный ряд, не допустив при этом ошибки, которая бы отличала новое звучание от предыдущего.

    Особое отношение электронной музыки в временной природой музыкальных композиций

    Благодаря пластичности природы электронной музыки и особенности электронного звука у композитора появляется уникальная возможность в любой момент изменять значение существующих музыкальных параметров, которые тесно связаны со звуком. Это касается как питча, так и тембра и обработки. И, сама способность изменять величину времени или продолжительность звучания музыкального электронного звука является одной из самых главных особенностей такой музыки, которую смело можно причислить к категории фундаментальных отличий.

    В категориях электронной музыки – звук – это уже объект творчества

    Благодаря уникальным возможностям электронной музыки проникать внутрь физических явлений звука и непосредственно осуществлять управление его особенностями и при этом обеспечивать абсолютно полный и новый ресурс для композитора, такая музыка не имеет аналогов.

    Электронная музыка не зависит от дыхания она выше ограниченных возможностей человека

    Такая электронная музыка звучит пока… есть электричество. Так, в отличие от ограниченных человеческих возможностей, как непосредственно вокальных исполнителей так и профессиональных музыкантов, звучание электронных инструментов может длиться долгий промежуток времени, и при этом генерировать и повторять музыкальные звуки, тогда как настоящие музыканты и исполнители будут вынуждены замолчать. К тому же, для электронной музыки подвластны ритмы, которые в виду своих сложностей и скорости исполнения, не могут воспроизводиться людьми. Другими словами – такая электронная музыка – она выше человеческих возможностей, но в пределах восприятия человеком.

    Видео запись электронной музыки: Сущность электронного экспириенса

    И, хотя природа электронной музыки не имеет ничего общего с настоящей (в понятии консерваторов) музыкой, прослушивание такой музыки и таких электронных композиций в большей степени находит влияние на воображение человека и на его сознание, так как появляется возможность человеческому сознанию интегрировать электронные звуки через их косвенное восприятие, не проводя параллель и не находя таким звукам сравнение. Другими словами, когда вы слушаете электронную музыку – вы слышите только музыку…

    This entry was posted on Суббота, Март 15th, 2014 at 12:29 and is filled under: Работа со звуком, описание

    Основы создания Trance в Fl Studio

    Основы создания Trance в Fl Studio Содержание Вступление [ править ]

    Если вы нашли эту статью случайно и не знаете, что такое Fl Studio. то прочитайте Fl Studio учебник создания музыки.

    После того как вы познакомились с программой, рассмотрим создание композиции в Fl Studio на примере транса.

    Перед началом чтения статьи скачайте этот проект => Trance.rar .В этом проекте использованы основные приёмы построения композиций, ничего выдающегося в нем нет - он очень шаблонный.

    Вообще, сразу же хочется сказать, что в создании (написании) музыки НЕТ НИКАКИХ ПРАВИЛ. Не верьте фразам типа: Надо делать именно так, по-другому - ошибка. Создание музыки - это, в первую очередь, творческий процесс. Но то, что в музыке нет никаких правил, не означает, что нарисовав кучу нот как попало вы создадите шедевр. В музыке нет правил, но есть определённая "шаблонность" (закономерность), которую можно пронаблюдать во многих композициях. В этой статье мы попытаемся предоставить вам общие принципы структурирования трека (композиции). По описанным основам создания транс композиции можно создать множество других стилей, т.к. в их основе лежат одинаковые принципы.

    Стоит заметить, что есть музыканты которые считают, что изучение этих "шаблонов" убивает творческий потенциал в человеке, т.е. вгоняет его в какие то рамки и стереотипы. Так что если у вас схожее мнение, то подумайте стоит ли вам дальше читать эту статью. В этой статье не будут рассматриваться принципы создания мелодий, с теорией музыки вы можете познакомится на сайте 7not.ru.

    Инструменты [ править ] Драм партия [ править ]

    Прослушайте скачанный проект. Перейдите на паттерн 62, послушайте и посмотрите структуру драм партии. Бит, который вы слышите, это основа практически всех современных стилей музыки с прямой драм партией (Trance. House. Hardstyle. Techno. и всех их подвидов). Такой бит включает в себя 3 основных звука Kick. Clap. Hat. Вместо клэпа может использоваться малый барабан (Snare).

    Теперь перейдите на паттерн 63 и послушайте более полную партию ударных. На этом паттерне добавились закрытые хэты (HH Closed), шэйкеры (Shaker ), райды (Ride ). Эти инструменты также можно встретить практически в любом из музыкальных стилей. Как правило в трансе используется прямой бит включающий в себя все упомянутые инструменты:

    На рисунке две различных по стилю драм партии. Обратите внимание, насколько различны структуры ударных. Верхние части (красная область) идентичны, нижние же, кардинально отличаются (пример такой драм партии => Techno.rar ).

    Свинг в трансе применяется очень редко, тогда как к примеру в техно это используется часто. Среднее значение темпа в трансе 140 ударов в минуту (BPM ). Хотя для разных под стилей он разный.

    Бас [ править ]

    Характерная особенность транса это его бас. Бас в трансе часто имеет "прямую" постоянно повторяющуюся структуру. Прослушайте паттерн 26, это наверно самый распространенный рисунок бас-линии в трансе, его можно встретить в подавляющем большинстве композиций. Также посмотрите и прослушайте паттерн 64, на нем приведены примеры басовых линий наиболее часто встречающихся в трансе.

    Пэд [ править ]

    Пэдами (англ. «pad» — подкладка ) называют инструменты с длинным протяженным звучанием, они звучат на фоне, как подклад. Обычно они создаются на синтезаторах, но также в трансе в роли пэда часто используют скрипки. Прослушайте паттерн 31 и запомните как звучит пэд. В трансе пэды используются очень часто, особенно в мелодик-трансе. Трудно встретить композицию в стиле транса, в которой бы не использовались пэды.

    Лид [ править ]

    В трансе, да и почти везде, на лиде пишется основная мелодия трека, потому он так и называется (Lead англ. - лидирующий). Послушайте паттерн 39, лид в миксе всегда прослушивается очень чётко и имеет главную роль в композиции.

    Стринги/плаки [ править ]

    Также очень часто встречаются в трансе. В большинстве случаев используются не как основная мелодия (тема), а дополнение к ней. Прослушайте паттерн 43. Стринги/плаки довольно легко определить, они имеют очень короткую продолжительность звучания и похожи на звук гитарной струны (на высоких нотах). Стринги/плаки также могут называться в некоторых синтезаторах.

    Структура [ править ] Начало [ править ]

    Структура композиции создается по тактам, такты в пианороле и плейлисте отображаются сверху см. рис ниже (в Fl Studio они называются Bar ):

    Прослушайте начало композиции, и вы услышите, что она начинается с драм партии. Многие начинающие музыканты не понимают для чего создаётся этот бит в начале, ведь он не интересен и скучен. Это так называемая "пробитовка". Она создаётся специально для диджея, который будет играть этот трек. Те кто знаком с диджеингом хорошо это понимают. Диджей за начальное время пробитовки миксует (сводит) два трека. В клубе или на радио её почти никогда не слышно, но она почти всегда присутствует в треке.

    Но создание пробитовки не является обязательным, есть большое количество композиций где она отсутствует, что создаёт проблемы начинающим диджеям. По сути все полные версии (не обрезанные, не радио) треков содержат эту пробитовку. Эта пробитовка создается не только в трансе, но и во всех других направлениях связанных с диджеингом (клубами, радио, и т.п.). Длительность пробитовки обычно не менее 30 сек, хотя может быть и другой (30-90 секунд).

    Теперь обратите внимание на проект который вы скачали, в нем маркерами обозначен период начальной пробитовки (маркеры находятся под тактами), начало, маркер Start beat 1. конец End beat 1.

    После пробитовки уже идёт добавление инструментов (синтезаторов ). Также обратите внимание на конец композицтт (такт 177), здесь начинается завершающая пробитовка Startbeat 2 конец End beat 2. Пробитовка в конце трека создается также специально для диджея, т.е. у диджея заканчивается 1-й трек (конечная пробитовка) и начинается 2-й трек (начальная пробитовка), во время звучания этих двух пробитовок он и сводит треки.

    Развитие [ править ]

    Начальная пробитовка также является частью развития композиции. Обратите внимание на последовательность звучания инструментов в композиции:

    Но дойдя до 33-го такта развитие как бы прекращается, и берёт своё новое начало. Добавляется пэд (33), далее на 41 такте он приобретает немного другую форму, на 49 такте берёт начало основная мелодия (в неразвитом состоянии), которая получает своё развитие на 57 такте, 61 такт добавление стрингов, на 65 такте начинается бит (композиция приобретает наиболее полное звучание).

    Эта часть трека (33-65 такты) называется ямой. Ямы это неотъемлемая часть практически любого из стилей музыки, если держать слушателя в постоянном напряжении музыка ему быстро надоест. Обычно в композиции присутствует 1-2 ямы. В начале ямы трек обычно не развит, по мере развития ямы трек развивается и приобретает силу, окончание ямы обычно сопровождается максимальным развитием трека. Яма придаёт разнообразие треку и не даёт ему надоесть.

    Попробуйте прослушать трек с 1-го до 97-го такта. После чего остановитесь и попробуйте прослушать трек без ямы, то есть когда звучание трека дойдёт до 33-го такта резко перескочите на 65-й такт и слушайте трек до 97-го такта. Заметьте, когда вам поднадоест звучание композиции, примерно на 81-м такте. Это произойдёт потому как трек не будет иметь динамичного развития (ямы). Постоянное звучание одних и тех же инструментов надоедает, и трек перестаёт быть интересным. При написании композиции постоянно нужно включать/выключать различные инструменты и варьировать их, применять различные эффекты.

    После ямы идёт основная тема композиции (65-97 такты), главная, самая драйвовая тема называется дропом. После этой части идёт очередной спад развития композиции. 97-105 вступление второй темы, она вносит разнообразие в трек, 2-я тема отвлекает от основной, за время звучания ямы успевает забыться 1-я. 105 вступает новая тема. 113 к лиду добавляется пианино. 121 в треке появляется 2-я яма, под конец ямы идет развитие 1-й основной темы и окончание второй. 137-169 опять звучит основная тема композиции, на 153 такте получает максимальное развитие перед концовкой. 177 финальная пробитовка.

    Квадраты [ править ]

    В основном вся электронная музыка строится по квадратам, и основана на повторениях.

    Квадраты это чётное количество тактов увеличивающиеся в 2 раза. Причем в электронной музыке 1 квадрат это 4 такта.

    • 1 квадрат - 4 такта
    • 2 квадрата - 8 тактов
    • 4 квадрата - 16 тактов
    • 8 квадратов - 32 такта

    В танцевальной музыке в основном используются квадраты 2 и 8. Теперь проанализируем построение композиции. Вернитесь в начало плейлиста. Заметьте как происходит развитие трека (1-9 такты), это первые 8 тактов. В период звучания этой части не добавляется никаких звуков. После 9-го такта немного развивается драм партия, период (9-17) ещё 8 тактов. После 17-го такта добавляется бас, после 25-го мелодия. После 33-го начинается яма.

    Заметьте каждые 8 тактов композиция получает большее развитие:

    Также обратите внимание на то, что начальное развитие трека составляет 8 квадратов (32 такта).

    Далее идёт яма 33-й такт. На 41 такте пэд получает небольшое развитие, на 49-м добавляется мелодия, на 57 мелодия получает развитие. На 61-м такте постепенно добавляются стринги.

    В ней также идет развитие по 8 тактов. Общая протяженность ямы также составляет 32 такта.

    Далее идёт основная тема/дроп. Тема также длится 32 такта, но пэд немного развивается на 16-м такте (квадрат 4 ):

    Далее после 97-го такта вторая тема вступает не сразу же, а перед ней идёт проигрыш в 8 тактов (97-105).

    На 105 такте вступает 2-я тема (105-137). Длится также 32 такта, причем эти 32 такта разбиты на 2-е части, 1-я проигрыш перед ямой (16 тактов), 2-я яма (16 тактов).

    Далее опять основная тема 32 такта, небольшой проигрыш 8 тактов и конечная пробитовка 16 тактов.

    Итог общей структуры трека: 32-32-32-8-16-16-32-8-16

    Переходы (сбивки), эффекты [ править ]

    Обычно в композиции присутствуют сбивки, разного рода, каждые 8 тактов на картинке справа пример 137-169 тактов:

    Но заметьте частые сбивки бочкой (Kick ) делать не желательно (на рисунке справа бочка сбивается раз в 16 тактов). Эффект шума (Noise ) и сбивки малым барабаном (Snare ) также появляются раз в 16 тактов.

    В завершение необходимо сказать, что правила в музыке условны. И всё приведённое здесь, это не руководство к действию, а всего лишь советы. Если вы считаете, что ваш трек хорошо звучит, но не соответствует какой-то определенной схеме, то оставьте его таким какой он вам больше понравится. Создание музыки это творческий процесс. Если вы только начинаете писать музыку и не знаете какими синтезаторами воспользоваться, то не задавайте вопросы типа:

    • Подскажите синтезатор для транса? Для хауса? Техно?Ответ. Любой.
    • В каком синтезаторе сделать такой бас?Ответ. В любом (хотя могут ответить и другое к примеру: FM (под тип множества синтезаторов)).
    • Подскажите самый лучший синтезатор?Ответ. Таких нет.

    Запомните! нет такого понятия синтезатор для транса или для какого-то другого определенного стиля музыки! Любой синтезатор может быть применим для написания различных музыкальных стилей. Также нет лучшего синтезатора, каждый синтезатор хорош по своему!